Espectáculos
La Feria de Rosarito vuelve para celebrarse este 2021 con el anuncio de grandes artistas invitados quienes ofrecerán sus actuaciones en el Teatro del Pueblo del 30 de julio al 15 de agosto en Los Terrenos de la Plaza San Fernando del municipio de Playas de Rosarito. Alemán, Lalo Mora, Grupo Codiciado, Los Cadetes de Linares son algunos de los cantantes y músicos que amenizarán la festividad.
Para el día de inauguración los conjuntos Marca Registrada y Los Contacto deleitarán al público rosaritense, día después de la mano de Félix Gallegos Los Cadetes de Linares tendrán su presentación para momentos más tarde darle paso al concierto de la Sonora Dinamita. Abriendo el primero de agosto se encuentra Fuerza Regia, y el 5 Las Perdidas complementarán con su actuación.
Para el 6 de agosto el acordeón sonará con el concierto de uno de los grandes del norteño con Lalo Mora. “El rey de mil coronas”, “Aguanta corazón”, “Mi casa nueva” son algunos de los temas con los que el artista de 74 años deleitará al público presente. Por su parte, Grupo Codiciado hará su presentación al siguiente día.
Otro de los artistas estelares de esta edición será la actuación del rapero mexicano Alemán el 8 de agosto, quien actualmente se mantiene como uno de los referentes artísticos del género urbano, colaborando con raperos de la talla de Snoop Dogg, Snow Tha Product, Fntxy, Santa Fe Klan, y Natanael Cano.
Los Mendívil, Los Únicos de México (13), Enigma Norteño Doble Cara, Ricky Barajas (14) y Virlán García (15), serán los encargados de amenizar los últimos tres días del evento.
Por su parte, organizadores señalaron que “trabajarán en conjunto con la Secretaría de Salud para apegarse a los protocolos que garanticen la seguridad y salud del público que asista”. Boletos a la venta a partir de este martes 6 de julio en taquillas de la Feria.
Después de "muchos años de trabajo", (casi la mitad de su vida), Yordi Rosado, quien fue productor de Otro rollo, el gran éxito de Adal Ramones, se acerca a su sueño de conducir un late show con su recién estrenada revista nocturna en Unicable.
"Siempre he querido hacer un late night, de alguna manera hemos hecho algunos híbridos, cuando hicimos Está cañón, evidentemente con Otro rollo, que ahí no era y el titular, pero este programa de revista nocturna nos vamos acercando", dice en entrevista con El Sol de México.
De noche con Yordi Rosado se transmite los lunes a las 21:30 horas y es un triunfo más de quien lleva casi 25 años en el entretenimiento, como productor, conferencista, escritor, conductor y, más recientemente, como entrevistador. En su nuevo proyecto reúne las cualidades de cada ámbito que ha experimentado.
Sus primeras apariciones frente a cámara fueron desde Otro rollo, con su sección de reportajes. "Ahí me di cuenta que era conductor, aunque antes de eso, me empezaron a llamar para conducir eventos privados y me gustaba mucho, sentía eso en el estómago que siente la gente cuando está contenta haciendo algo. En la tele puede ser un poco más frío, porque tienes que encontrar la manera de hacerlo divertido y con un compañero como fue en un principio Adal, pues fue muy padre poder compartir y me sirvió para aprender; ya luego lo he hecho en mi propio estilo", recuerda el también conductor de Está cañón y La última y nos vamos.
Presente en prácticamente todos los medios, pues además de la televisión, conduce un programa de radio, tiene un podcast con Martha Higareda y su propio canal de YouTube, donde sigue presentando las entrevistas con el perfil de La última y nos vamos, que tuvo una temporada en Unicable, reconoce que apenas le queda tiempo para hacer algo de vida familiar. Pero está dispuesto a aprovechar esta buena racha, "a veces se dejan venir muchos proyectos y hay que aguantar", dice.
Así como se empezó a preparar para la conducción desde que era productor, escribió su primer libro dedicado a los adolescentes cuando nació su primer hijo y a dar conferencias en formatos que hoy fácilmente se pueden llevar al streaming. Y con todo, asegura que no hay secreto para encajar. "Afortunadamente en muchas cosas nos va bien, pero creo que una de las grandes ventajas es que somos un gran equipo, todo mundo es creativo, ahorita por ejemplo con tanto trabajo, hay cosas que están delegadas y de todas las personas del equipo tengo mucho que aprender, todos saben hacer cosas que yo no sé hacer y así es como crecemos".
Yordi se reconoce como un hombre curioso, a quien le gusta conocer a las personas y de ahí su interés por las entrevistas. "Es una curiosidad natural, me gusta la gente y no me gusta dañar o lastimar a nadie, fue una fortuna juntar esa curiosidad que tengo, con el tono de no ser agresivo, porque tanto al público como a los artistas les ha gustado, ahora son ellos los que me están pidiendo contar su historia".
Su máxima enseñanza al desarrollarse en distintos medios durante más de 25 años, concluye, "es que el público se está moviendo todo el tiempo, no puedes pensar que ya te la sabes, tienes que escuchar a todos, los jóvenes tienen mucho que les puedes aprender, porque en este medio tienes que estar abierto".
Ya han pasado dos décadas desde que la primera película de Rápido y Furioso recibió el banderazo de salida en salas de cine durante 2001, dando inicio a una franquicia la cual ha logrado mantenerse en la carretera, a pesar de que el mundo haya cambiado (y muy drásticamente, sobre todo desde el año pasado).
Durante todo ese tiempo, esta serie cinematográfica ha logrado mantener casi intactos sus elementos primordiales con los cuales ha afianzado un sólido target eminentemente masculino que permanece fiel a la misma. Peleas con los puños y cuerpo a cuerpo, frenéticas persecuciones, retos imposibles de superar que logran ser conquistados por una combinación de temeridad y buena suerte, y sobre todo, veloces y cromados autos corriendo a altas velocidades, haciendo rugir sus motores mientras ejecutan todo tipo de increíbles proezas y acrobacias inconcebibles.
Pero también, durante esos 20 años de andar en el camino, la franquicia se ha visto forzada a evolucionar acorde a los tiempos y los sucesos al interior de la misma, haciendo que el cada vez más numeroso clan Toretto, encabezado por Dom (Vin Diesel), haya pasado de protagonizar carreras de autos callejeras y clandestinas, a convertirse en una especie de fuerza especial de élite, poniendo sus habilidades al servicio de una agencia secreta gubernamental, con el fin de salvaguardar la paz y el orden mundial.
Del mismo modo, su universo de masculinidades exaltadas, ha ido gradualmente dando cabida (y desde su propia dinámica y coordenadas particulares) al empoderamiento femenino, a la inclusión y equidad, y -de forma cada vez más frecuente, pero no por ello más eficaz- a exaltar el valor de los lazos afectivos y familiares.
En contraste, la trama desarrollada por sus guiones se ha ido simplificando a niveles tan elementales, que ya más bien son mero pretexto para llevar a cabo todo tipo de ideas y acrobacias descabelladas, cada una más absurda y demencial en relación la anterior. De hecho, de unos años para acá, varias de dichas escenas se han vuelto a tal grado populares, que con cada nueva entrega, aumenta la expectativa de ver el modo en el cual Toretto y compañía rompen a su antojo las leyes elementales de la física.
Rápidos y Furiosos 9 (F9) ejemplifica a la perfección todo lo expuesto anteriormente. En esta nueva entrega (demorada un año en su estreno a causa de la pandemia) Dom, su pareja Letty (Michelle Rodriguez) y su pequeño hijo llevan una vida apacible, retirados del servicio activo, y viviendo en una granja. Pero todo eso cambia cuando él y sus amigos reciben un críptico mensaje de Mister Nadie (Kurt Russell), agente especial y jefe de operaciones secretas con quien ellos trabajaron antes. Siguiendo una corazonada, Dom y sus socios atienden la llamada de auxilio, y terminan involucrados en la búsqueda de una poderosa arma que, de caer en las manos equivocadas, amenaza la seguridad del mundo entero.
Esto los llevará a enfrentarse no solo con el villano en turno -quien en esta ocasión es Otto (Thue Ersted Rasmussen), un potentado ambicioso y corrupto-, sino también con el hermano de Toretto, Jakob (John Cena), con quién Dom comparte un trágico pasado, de resonancias shakesperianas. Y en el inter, en la historia también se podrá ver la (insólita y algo ridícula) resurrección de un personaje; la aparición de otro que es la “inesperada” clave para el funcionamiento de la superarma, y el regreso de dos villanos célebres de la franquicia (aunque el segundo de ellos solo aparezca en la escena postcréditos).
Sobre esta premisa, se colocan dos horas y media de persecuciones en veloces vehículos, enfrentamientos con armas de todo tipo, peleas cuerpo a cuerpo, y una serie de espectaculares (y delirantes) escenas: un auto el cual logra, a toda velocidad, cruzar un puente colgante que colapsa; otro que es atrapado en el aire por un avión caza/dron; un convoy blindado de varias toneladas, es volcado por dos vehículos provistos de superimanes (¡!)... y un viaje a la órbita terrestre en un coche adaptado caseramente para fungir con transbordador espacial, parecido mucho al entrañable DeLorean de las película de Volver al futuro; por solo mencionar unos ejemplos. Y cientos de automóviles y vehículos similares son destruidos sin piedad entre cada escena.
Todo ello orquestado gracias a un argumento más propio de una película de clase B, elaborado por un guión endeble, ilógico y contradictorio por donde se le vea; y desarrollado de una forma absolutamente elemental, pedestre, y maniquea; donde no podía faltar la escena de la parrillada en grupo, para resaltar su mensaje de unión familiar, el cual ya muestra alarmantes señales de agotamiento y termina por estorbar más que amenizar el relato.
Lo mejor o peor de todo esto (según se vea): el filme no se toma así mismo en serio, como pasa con un par de escenas donde sus propios personajes se cuestionan las probabilidades de que todo lo que hacen (por muy disparatado que pueda ser), siempre les salga bien, y la única explicación que pueden encontrar para ello es que son algo así como seres inmortales o superhéroes. Y unos segundos después, terminan mofándose de esa posibilidad. Claramente, la franquicia ya llegó a un punto en el cual ya no pretende lógica ni coherencia alguna, y solo busca entretener a costa de lo que sea, incluso recurriendo a la autoparodia y el humor involuntario.
Es un hecho que las personas quienes acuden a cualquier establecimiento de comida rápida, generalmente no lo hacen porque vayan buscando allí comida sana, balanceada y nutritiva. Simplemente quieren algo que sepa sabroso y les brinde gratificación inmediata. Rápidos y Furiosos 9 funciona al mismo nivel, siendo el equivalente cinematográfico de esa experiencia gastronómica, al solo ofrecer entretenimiento inofensivo, sin contenido alguno y sin mayor pretensión que ser un vehículo perfecto para evadirse de la realidad por un par de horas. Y en el caso específico de esta entrega, hasta podría decirse que es también un vehículo para escapar de las realidades e imposibilidades físicas de nuestro universo. Y de tener oportunidad de volver a ver a los Toretto triunfar de nuevo, incluso sobre la ley de la gravedad.
Después de casi tres décadas de historia hemos comprendido lo tremendamente manipuladores emocionales que son en Pixar. Han tomado la medida de su audiencia y han calibrado el medidor sentimental casi milimétricamente para no dejarnos indiferentes. Lo curioso es que su manera de trabajar es a partir de los moldes establecidos, de los estereotipos y a veces eso nos incomoda.
Luego de tres años sin historias originales en el 2020 aparecieron Unidos y Soul, con unos resultados más que satisfactorios. Temas como la reconciliación de los lazos familiares y la búsqueda del sentido de la vida estaban en juego en estas películas y lograron conmovernos y enseñarnos con sus maquiavélicas agujas, que sabían dónde tocar a nuestros muñecos vudús para tocar fibras. Fue una faceta distinta en la compañía para hablar de temas más profundos que, si bien tuvieron grandes resultados como películas, también nos hicieron pensar que sus historias tomarían un camino más arriesgado.
Este año nos dejaron en claro que solo es una posibilidad. Han decidido volver a ponerse a la altura de la mirada de los niños para hacer que los adultos se hinquen a verlos a los ojos y entendamos que su visión es diferente a la nuestra. Que su perspectiva está cambiando y que si bien, no se sabe cuál será la identidad generacional que tengan, lo mejor es intentar comprenderlos desde aceptar sus sueños, aunque no vayan con nuestros ideales.
Esta reflexión podemos sentirla en Luca, el filme de Pixar que estrenó hace unos días en la plataforma Disney+ y que nos hace cómplices de la búsqueda de identidad y aceptación en una adorable fábula. Nos lleva a la Riviera Italiana, para ser testigos de la historia de Luca, un niño que vive un verano increíble en un pueblo junto al mar, sin embargo guarda un secreto: se trata de un monstruo marino que vive en el fondo del mar y que al salir a la superficie se convierte en un humano.
Los papás del niño le han prohibido no salir del mar por lo peligrosos que se han vuelto los humanos con su especie, pero Luca encuentra en el misterio de lo diferente una motivación mágica. El cineasta italiano Enrico Casarosa, conocido por su cortometraje de La Luna (2011), es el encargado de dirigir este filme en el que rinde homenaje a una amistad real que tuvo con el personaje de Alberto, otro pequeño monstruo marino que un día se encuentra con Luca y quien le comienza a mostrar el mundo fuera del mar con sus conocimientos humanos.
En primera instancia, es a través de la historia de amistad entre Luca y Alberto, que surge mirando confundiendo a las estrellas con peces de otro mar y con el sueño de viajar por el mundo en una motoneta, y luego en el pueblo con Giulia y su papá Massimo, que la película nos muestra una encantadora comedia infantil, cuya sencilla moraleja no se siente superflua sino delicada para el entendimiento de los otros, de lo diferente, de uno mismo. Es una hermosa reflexión sobre la búsqueda de la identidad desde nuestro lado más extraño.
Es verdad que, como en otros filmes de Pixar, los estereotipos están presentes tanto en el discurso como en los personajes. Tal es el caso del presumido y abusivo niño con la motoneta que representa las aspiraciones de la clase media hacia la riqueza material, del tipo que luchará por conseguir lo que necesita abusando de los demás o de la humildad de los otros niños del pueblo, los que tienen mal gusto por ser pobres.
Pero la magia radica en resolver el cliché con emociones más honestas, poniendo los sueños por encima de la pretensión. Los conflictos de los niños protagonistas son complejos ante lo nuevo, ante la adversidad o la apatía de las personas, y eso es satisfactorio porque no trata al espectador infantil como poco inteligentes. También es cierto que la trama no profundiza en tantas cosas, ni siquiera navega tanto en la personalidad real de los protagonistas, pero sí se concentra en un mensaje certero y con corazón sobre la necesidad de tener valor para asumir una identidad y la idea de cambiar el miedo por valentía desde el poder de la amistad.
Esos mensajes encuentran mucha resonancia en las discusiones actuales de temas importantes de nuestro tiempo. No solo habla de la otredad y la tolerancia, lo complejo es lo que está en juego, es la dignidad, la lucha por saber quien eres y aceptarlo para construir lazos.
Es evidente como Enrico Casarosa utiliza el concepto de la monstruosidad como lo ha trabajado el mexicano Guillermo del Toro (evoca especialmente a La forma del agua), pero desde una película infantil, en la que el verdadero monstruo es el humano. Y también tiene guiños a su propio cortometraje de La Luna, o a evocar la magia como lo hacen los filmes de los estudios Ghibli. Sin olvidarnos de los homenajes al cine italiano con detalles a filmes como La strada de Federico Fellini.
En Luca la aparente monstruosidad interior es adorable y también destaca la crítica a la misma humanidad como el villano de la naturaleza. El mensaje ambiental radica en señalar la pérdida de la empatía y su moraleja apela a que las personas en algún momento necesitan entender al otro para valorarlo, (aunque en el conflicto también se señale que el conocerlo para destruirlo).
Cabe destacar que, al igual que Pixar tomó la cultura mexicana en Coco, acá es igualmente admirable el homenaje a la cultura italiana desde sus costumbres hasta su pasión por el fútbol. Y si celebramos el tono en el sentido del humor también hay que celebrar que en cuestión de calidad de animación hay un nivel de detalle impresionante que hubiera sido tremendamente apreciado en pantalla grande.
Luca no se convertirá en el clásico de la animación, pero ojalá lo llegará a ser. Tiene en su contra la forma, poco original, en que evoca el sentimentalismo y que la resolución del mayor conflicto que tiene que ver con la humanidad se resuelve de manera romantizada, pero también es una película bella e inspiradora. En su final hay un acto de amor tan lindo que uno quisiera salir corriendo a abrazar a su mejor amigo. Una película imperdible.
Amazon Game Studios dio una triste noticia para los amantes de los videojuegos y, sobre todo,
de Lord of the rings (El señor de los anillos), pues mientras que la compañía había
desembolsado la épica cantidad de 465 millones de dólares para la primera temporada de la
adaptación a televisión, han cancelado los planes para que los fanáticos puedan explorar por
sí mismos la Tierra Media creada por J. R. R. Tolkien a través de un videojuego.
En 2019, Amazon Game Studios dio a conocer los planes para un juego masivo con múltiples
jugadores que llegarían a la Tierra media mucho antes de los sucesos de Lord of the rings, en
el que podrían explorar y conocer personas y criaturas míticas.
Amazon habría firmado un acuerdo para desarrollar el juego gratuito con Leyou Technologies,
compañía de juegos con sede en Hong Kong, pero en diciembre de 2020, Tencent Holdings
compró Leyou, por lo que Amazon y la nueva propietaria no pudieron llegar a un acuerdo, de
acuerdo con información de Variety.
“Nos encanta Lord of the rings (la propiedad intelectual) y estamos decepcionados de no
llevar este juego a los clientes”, dijo un portavoz de Amazon en un comunicado de la empresa.
Este proyecto iba a transcurrir en la Tierra Media fue independiente de la adaptación que
Amazon Studios prepara de Lord of the rings y cuyo plan incluye varias temporadas
producidas en cooperación con Tolkien Estate and Trust, HarperCollins y Warner Bros. Nuevo
Line Cinema.
La muerte de Marcela Basteri y los problemas que enfrentó Luis Miguel después del fallecimiento de su padre Luisito Rey, fueron temas centrales en los primeros dos episodios de la segunda temporada de la bioserie que dio inicio ayer por Netflix.
La producción protagonizada por Diego Boneta reveló que Marcela Basteri murió por culpa de Luis Rey, como informó el personaje de Tito (Martín Bello), tío de Micky. Los restos de su madre aparentemente se encontraban en la casa de Las Matas, propiedad que el cantante buscó comprar sin éxito.
La segunda temporada aborda cómo Luis Miguel fue perdiendo gente cercana por su obsesión para conocer el paradero de su madre. Esto afectó la relación con sus hermanos Alex y Sergio; su noviazgo con Érika (Camila Sodi) que finalmente terminó; así como con su equipo de trabajo comandado por su mánager Hugo López (César Bordón), quien lo convence de dejar por la paz la investigación.
La pérdida de sus padres dará inicio a una nueva lucha interna familiar. Principalmente con Matilda (Lola Casamayor), su abuela, quien está decidida a quedarse con la patria potestad de Sergio, tras lo que Luis Miguel iniciará una lucha por quedarse con él, aunque no tenga tiempo para preocuparse ni cuidarlo.
Al igual que la primera temporada, los ocho episodios que compondrán esta segunda entrega serán narrados en dos líneas temporales. La primera inicia en 1992 con el funeral de Luisito Rey, y la segunda en 2005 antes de las grabaciones de su disco Navidades.
En la línea del nuevo siglo, la serie aborda el inicio de los problemas auditivos que Luis Miguel enfrentó cuando el audífono le explotó en el oído durante un concierto en Lima, Perú. Esto provocó daños que lo dejaron en riesgo de no poder volver a cantar, lo que provoca una nueva crisis en su vida.
La segunda temporada también presenta a nuevos personajes como Patricio Robles (Pablo Cruz), que en la vida real es Mauricio Abaroa, productor de algunos álbumes del cantante y actual director artístico de Warner Music. Él es el responsable de descubrir Hasta que me olvides, escrita por Juan Luis Guerra y con la que inicia el proceso para grabar el disco Aries.
También se presenta, Mauricio Ambrosi (Fernando Guallar), que es Alejando Asensi, quien ayudó a orientar la carrera del cantante cuando su mánager Hugo López murió y que se convirtió en su amigo más cercano. Él fue responsable de internacionalizar a Luis Miguel hasta llevarlo a trabajar años más tarde con Frank Sinatra.
Finalmente está José Pérez, quien fuera uno de los asistentes más cercanos de Luis Miguel y que en la serie es el responsable de la explosión que daña el oído de Luis Miguel en Perú, debido a una negligencia profesional. Tanto él como su equipo alrededor han pasado tiempo robándole dinero al cantante.
En estos primeros dos episodios se pueden ver las intenciones de Luis Miguel por acercarse a su hija Michelle Salas, algo que se desarrollará más a fondo en el transcurso de la trama con Macarena Achaga en el papel adulto.
Antes del estreno de la segunda temporada, Luis Miguel, la serie, se ubicó en la novena posición de las series más vistas ayer. Además en Twitter, el hashtag #LuisMiguelLaSerie2 se mantuvo en las tendencias más comentadas durante todo el día.
"Con profunda tristeza, Ora Media anuncia la muerte de nuestro cofundador, presentador y amigo Larry King, quien falleció esta mañana a la edad de 87 años en el Cedars-Sinai Medical Center en Los Ángeles", señaló un comunicado difundido en la cuenta oficial de Twitter del popular entrevistador.
El reconocido presentador estadounidense Larry King falleció este sábado a los 87 años de edad en un hospital en Los Ángeles, semanas después de que se conociera que había sido ingresado por la covid-19.
Aunque la nota no detalla las causas del deceso, medios locales revelaron el pasado 3 de enero que King, quien nació en Nueva York el 19 de noviembre de 1933, permanecía en un centro hospitalario en Los Ángeles ingresado por coronavirus.
La página web de entretenimiento Showiz411 indicó en ese entonces que la figura televisiva no podía recibir visitas de su exmujer, Shawn King, de la que se divorció en 2019, ni de sus hijos Cannon y Chance King.
"Durante 63 años y en las plataformas de radio, televisión y medios digitales, las miles de entrevistas, premios y elogios mundiales hacia Larry son un testimonio de su talento único y duradero como locutor", agregó el comunicado, que recordó que aunque el nombre del presentador aparecía en los títulos de sus programas, él siempre veía a sus entrevistados como "las verdaderas estrellas".
"Ya sea que estuviera entrevistando un presidente de Estados Unidos -agregó la declaración-, un líder extranjero, un famoso, un personaje plagado de escándalos o un hombre común, a Larry le gustaba hacer preguntas breves, directas y sencillas. Creía que las preguntas concisas generalmente proporcionaban las mejores respuestas y no estaba equivocado en es creencia".
En mayo de 2019 King sufrió una importante apoplejía pocas semanas después de someterse a una operación para implantar un estent, un elemento metálico que resuelve la obstrucción de arterias.
Además, a lo largo de su vida ha sobrevivido a un ataque al corazón en 1987, así como a un cáncer de pulmón y de próstata.
En 2002 sufrió un duro golpe cuando en poco más de tres semanas perdió a dos de sus hijos: Andy, de 65 años, de un infarto, y Chaia, de 51 años, víctima de un cáncer de pulmón.
El presentador alcanzó la fama con el programa de radio "The Larry King Show", que se emitió desde 1978 hasta 1994. Después saltó a la televisión con "Larry King Live", que se pudo ver en la CNN desde 1985 hasta 2010
El comunicado detalló que posteriormente se informarán los detalles del funeral y del servicio en recuerdo al presentador, cuya familia ha pedido "privacidad en este momento".
Si los rumores de sonados retornos, como los ‘viejos’ conocidos de la saga Tobey Maguire, Andrew Garfield, Kirsten Dunst o Emma Stone, o la presencia ya confirmada de Benedict Cumberbatch como Doctor Strange ya han disparado el ‘hype’, ahora Tom Holland echa más leña al fuego al asegurar que Spider-Man 3 será un hito en la historia del cine de superhéroes.
“Obviamente no puedo decir casi nada (...) Lo que sí puedo decir es que es la película de un superhéroe en solitario más ambiciosa jamás hecha. Te sientas, lees el guion, ves lo que están tratando de hacer y lo están logrando. Es realmente impresionante”, señala el actor en declaraciones a Variety en las que señala que él es “de nuevo, ese mierdecilla con suerte que da la casualidad que es Spider-Man”.
“Nos queda mucho rodaje por delante. Empezamos antes de Navidad y filmamos durante siete semanas. Paramos para las vacaciones de Navidad y luego comenzamos de nuevo. Estoy tan emocionado por verla como cualquiera, y qué decir de formar parte de ella”, concluye el actor.
De momento, la única presencia confirmada con seguridad en el filme que dirigirá Sam Raimi es la del Doctor Strange de Benedict Cumberbatch. Todo indica que el Hechicero Supremo ejercerá de mentor del joven Peter Parker y le abrirá las puertas del Multiverso, el nuevo andamiaje argumental sobre el se construirá el futuro del UCM y que está ya asomando ya en Bruja Escarlata y Visión, la serie de Marvel Studios que se emite en Disney+.
Hay que recordar, también, que estos dos títulos, junto con la secuela de Doctor Strange, titulada Doctor Strange in the Multiverse of Madness, conforman un mismo arco argumental en ese salto a las realidades alternativas.
Y será en el marco de este Multiverso donde se espera que en Spider-Man vuelvan las versiones de Peter Parker de Andrew Garfield y Tobey Maguire, la Gwen Stacy de Emma Stone, la Mary Jane Watson de Kirsten Dunst, el Electro de Jamie Foxx o el Doctor Octopus de Alfred Molina. También se ha rumoreado la presencia del Daredevil de Charlie Cox.
Con todo esto encima de la mesa, es evidente que el siempre entusiasta Holland no exagera al catalogar de histórico lo que les espera a los seguidores de Marvel en Spider-Man 3. El filme producido por Marvel Studios y Sony Pictures tiene previsto su estreno el 17 de diciembre.
Por primera vez en la historia de los espectáculos del evento deportivo no hubo un escenario en la cancha debido a las normas impuestas por la contingencia sanitaria, en cambio el canadiense levantó una ciudad neón en una de las cabeceras del estadio
El tradicional espectáculo del medio tiempo del Super Bowl LV, entre Kansas City Chiefs y Tampa Bay Buccaneers, fue diferente. No solo a nivel deportivo porque era la primera vez que un equipo (Tampa Bay) alcanzaba llegar a la final de la NFL en su propio estadio, sino porque, inevitablemente, la pandemia del coronavirus condicionó el evento deportivo.
El encargado de encabezar el show fue el canadiense The Weeknd, que tuvo que ajustar su presentación a las medidas sanitarias. Por ejemplo, el espectáculo de 13 minutos patrocinado por Pepsi (aunque se dijo hace unos días que el propio artista invirtió más de 7 millones de dólares de su bolsillo para tener el concierto que quiso) en lugar de realizarse sobre el campo esta vez el escenario se montó en una de las tribunas del Raymond James Stadium.
A diferencia de otros años, The Weeknd no estuvo acompañado por artistas invitados, siguió los pasos de Lady Gaga que años atrás decidió actuar en solitario. También decidió que su propia cara era lo suficientemente buena para su gran concierto en vivo, en lugar de las extrañas prótesis y el maquillaje que ha estado usando durante el lanzamiento de su último álbum.
El show de Abel Makkonen Tesfaye, nombre real del artista canadiense, comenzó con él a bordo de un auto con una escenografía neón inspirada en Las Vegas, ubicada en una de las cabeceras del estadio desde donde interpretó “Starboy” y luego “The Hills”, en esta última acompañado de un coro con cantantes con máscaras.
Cuando interpretó “I can't feel my face”, The Weeknd ingresó bajo el escenario a una sala cubierta de luces y espejos, donde lo acompañó un grupo de bailarines, quienes portaban máscaras. Para “I feeling coming”, aunque no tuvo la compañía de Daft Punk, las pantallas mostraron un cielo estrellado y una luna, mientras del otro lado una lluvia de fuegos artificiales iluminaban las tribunas en donde miles de fans gritaron y aplaudieron sus hits.
Después bajó un poco el ritmo con “Earned it”, de la película Cincuenta sombras de Grey y que lo hizo merecedor a un premio Grammy por mejor interpretación R&B, así como una nominación a los Premios Oscar a la Mejor Canción.
Pero, sin duda, el momento más espectacular fue cuando sorprendió bajando al escenario con todo el elenco de bailarines, quienes llevaban guantes con luces para realizar una vistosa coreografía en el terreno de juego al ritmo de “Blinding Lights”, que, de acuerdo a Spotify, fue la canción más escuchada del 2020 con más de 1,500 millones de reproducciones, finalizando así su presentación.
El canadiense alcanzó la cima de popularidad con el éxito “Can’t feel my face”, incluida en su segundo álbum de estudio, Beauty Behind the Madness, que llegó al primer lugar de la lista Billboard 200 en 2015 y ganó un Grammy. Ha tenido otros tres álbumes populares, incluyendo el más reciente, After Hours, lanzado en marzo. El año pasado, encabezó la lista Hot 100 de Billboard por quinta ocasión con el sencillo “Blinding Lights”.
Roc Nation y el productor nominado al Emmy Jesse Collins fueron los productores ejecutivos del espectáculo del medio tiempo. Collins había anticipado que deseaba montar un show en vivo que fuera “único y refleje la creatividad que todos le ponemos al proceso para ayudar a traducir la visión inigualable de The Weeknd”.
El artista se sumó así a una lista de músicos famosos que se han presentado en el medio tiempo del Super Bowl, como Madonna, Beyoncé, Coldplay, Katy Perry, U2, Red Hot Chili Peppers, Lady Gaga, Michael Jackson y el celebrado espectáculo del año pasado de Shakira y Jennifer López, entre otros.
En un año donde los cines no pudieron exhibir grandes estrenos, Netflix se ha alzado con la corona de nominaciones en la 78 edición de los Globos de Oro, premios que otorga la Prensa Extranjera Asociada de Hollywood y que debido a la pandemia este año se realizará vía remota el próximo 28 de febrero.
La plataforma de streaming reunió 42 candidaturas en total, 22 de ellas en las ternas de cine y el resto para televisión.
Mank, producción en blanco y negro dirigida por David Fincher, encabeza la lista de películas con seis menciones. La historia sobre Herman J. Mankiewickz, guionista de El ciudadano Kane, aspira a llevarse el premio de Película Drama, Director, Guion, Banda Sonora, Actor para Gary Oldman y Actriz de Reparto para Amanda Seyfried.
El gigante de streaming que este año llegó a 200 millones de suscriptores en el mundo, también tiene entre sus nominadas a El juicio de los 7 de Chicago, que contiende por cinco premios: Mejor Película Drama, Director y Guion para Aaron Sorkin, Canción Original por el tema Hear my voice y Actor de Reparto para Sacha Baron Cohen, quien además obtuvo otra nominación como Actor principal por la secuela de Borat, distribuida por Amazon Prime Video.
Nomadland, la película ganadora del pasado Festival de Venecia, logró hacerse de cuatro nominaciones. La misma suerte corrieron Promising young woman, protagonizada por Carey Mulligan, y The father, con Anthony Hopkins y Olivia Coldman, que luego de estrenar en el Festival de Sundance aspiran por cuatro premios.
La categoría de Mejor Película Musical la integran Borat, el musical de Broadway filmado para Disney+, Hamilton, Palm Springs, que tuvo su estreno en Sundance el año pasado; Music, cinta escrita, dirigida y producida por la cantante Sia y El Baile, producción de Netflix protagonizada por Meryl Streep, quien no estuvo nominada.
En la parte de televisión, Netflix lideró con 20 nominaciones. The Crown aspira a seis estatuillas de ellas, mientras que Ozark sumó cuatro.
La comedia Emily in Paris sorprendió al ser mencionada en las categorías de Mejor Comedia y Actriz, para Lily Collins. La serie se convirtió en tendencia en Twitter, pues algunos usuarios consideraron injustas sus nominaciones: “Si había una serie que merecía una nominación era I may distroy you. En fin, la vida es injusta y mejor le dieron una a Emily”, escribió un usuario.
Otras historias que no aparecieron entre los nominados son Malcolm y Marie, cinta con Zendaya y John David Washington que se produjo, adaptó y filmó durante la pandemia.
La categoría de Mejor Serie Drama está integrada por The Crown, Ozark y Ratched de Netflix, Lovecraft country de HBO y The Mandalorian de Disney+. En la parte de Comedia o Musical la disputa a mejor serie será entre Emily in Paris, The flight attendant, de HBO Max, Schitt’s creek de CBC y Ted Lasso, producida por Apple Tv+.
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