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Lo que me dé la gana (LQMDLG), es el cuarto álbum en solitario de Dani Martín —quien fuera vocalista del proyecto español, El Canto del Loco desde 1999 y hasta 2009, cuando se separa la banda—, el cual incluirá 14 canciones, entras las que se encuentran tres bonus track, y varias colaboraciones con artistas como Juanes, Sabina, Coque Malla, Alejandro Sanz o Camilo.

 

 

 

El material nos muestra a un Dani Martín en la plenitud de su talento. De principio a fin, el álbum es una demoledora máquina de canciones llenas de contundencia, energía y talento: “Hoy me siento más libre, pensando menos en lo que la gente pueda llegar a pensar de mí”, comentó el español a Crónica Escenario.

 

 

 

 

 

 

 

Martín cuenta que, tras estar en una etapa profesional y personal estable, finalmente surgió este nuevo material: “Me siento muy ilusionado, el disco me ha regalado un montón de cosas bonitas, estoy agradecido con la gente, pero también me siento muy orgulloso de este disco”, aseguró.

 

 

 

Y es que al sentirse satisfecho de su obra comenta que por esta ocasión no se privó de disfrutar y mezclar todo tipo de música: “LQMDLG es el permiso que me di, de poner todos los estilos de música que me gustan en una cajita para poder jugar con ellos y poder tener un disco muy variado, lleno de sonidos, de colores muy diferentes, un conjunto de todo lo que me he permitido hasta ahora hacer”, explicó.

 

 

 

De toda una declaración de intenciones es como surge el nombre del que hoy es su cuarto álbum como solista: “No es que no me haya permitido hacer ‘lo que me diera la gana’ en toda la música que he hecho, pero en este disco sí que me he dado el permiso absoluto para jugar con todo y me ha hecho muy feliz dejarme llevar sin mis prejuicios”, admitió.

 

 

 

 

 

 

 

“Cuando escuchas el disco te das cuenta que cada uno de los artistas que están es por algún motivo muy concreto. Sabina está de una manera muy anecdótica; Coque Malla replica a la persona que más he admirado en toda mi vida; con Juanes nació ‘Los huesos’; y para ‘La Jaula’, especialmente todo el rato pensaba en Alejandro Sanz. Todas las colaboraciones son por admiración y por lo que cada canción pedía en el momento”, aseguró.

 

 

 

Este álbum ya había causado revuelo con sus primeros sencillo y prueba de ello son los más de 10 mil discos que en España se vendieron con su preventa. En México el álbum se presenta en dos ediciones limitada: CD + bolsa sorpresa y en vinilo.

El actor mexicano Luis Felipe Tovar, que hace parte de dos producciones que retratan una visión sobre el narcotráfico completamente opuesta e innovadora, considera en una entrevista con Efe que “el narco debe de estar muy lejano a lo que nosotros conocemos”.

 

Por un lado, Tovar actúa en Natural Born Narco, que busca ser un retrato de la infancia de los narcotraficantes, y, por otro, en El Junior: El mirrey de los capos, una comedia dedicada a los estereotipos.

 

 

 

Esta última es un proyecto de Televisa al que llegó gracias a la invitación del productor y comediante Israel Jaitovich, quien intenta mostrar la cara fársica del narco cansado de los proyectos que enaltecían dicha figura con solemnidad en la televisión.

 

“Me mandó el guion y me pareció muy divertido, la comedia no le deja posibilidad a nadie, es implacable, toca todos los temas y llega a todos los rincones, es como la humedad y el tema del narco no se había abordado desde la comedia”, explica el actor de El callejón de los milagros (1995).

 

La serie protagonizada por Diego de Erice sigue la vida de un joven rico hijo de una actriz que se verá envuelto en el mundo del narcotráfico, pero todos los personajes son torpes y sus hazañas nunca se ven logradas.

 

 

 

En El junior: El mirrey de los capos, Tovar interpreta a Lamberto Gutiérrez, el villano oscuro de la comedia, líder del cártel de los “Y griegas”, sin embargo, a pesar de toda su gran maldad, su personaje nunca logra sus objetivos: “Es el personaje más oscuro, estúpido y frívolo, es profundamente fracasado, todo le sale mal”, asevera Luis Felipe.

 

Para el actor, es importante resaltar que a pesar de que es un programa de comedia no buscan burlarse de nadie, pues su intención es simplemente entretener al público.

 

“No es una burla, estamos trabajando con referencias de los estereotipos del mundo de los narcos, estamos utilizando la comedia como recurso para que la gente se divierta”, menciona.

 

Además de De Erice y Tovar, el elenco de la serie está conformado por Jesús Ochoa, María Fernanda Yepes, Rodrigo Murray y Germán Ortega, entre otros, y se espera que llegue a las pantallas de Distrito Comedia en febrero próximo.

 

LA INFANCIA Y EL ORIGEN DEL NARCO

 

Antes de que existieran estos estereotipos de los narcotraficantes, de los que Tovar habla y personifica en la serie de Jaitovich, hubo un México diferente en el que estos criminales de las noticias también fueron niños.

 

Es precisamente de eso de lo que se habla en la serie Natural Born Narco, la primera producción mexicana para la plataforma Quipi. La serie narra el origen del narcotráfico a partir de una historia de amor y de la infancia, otro tema que tampoco ha sido explorado en otras producciones dedicadas al crimen organizado.

 

 

 

“Aquí estamos hablando de la infancia y de un tono muy serio y muy amoroso, está basado en una historia de amor cuando los personajes estos (narcotraficantes) solamente eran seres humanos, niños en una época en que México era distinto y en que las aspiraciones eran distintas”, relata.

 

Aunque ya se tiene grabada la primera temporada de la serie, el rodaje de la segunda y tercera parte de la historia se vio interrumpido por la pandemia y continúa sin fecha de regreso.

 

Finalmente, el actor tres veces acreedor al Ariel reflexiona sobre su trabajo y disfruta esa posibilidad que le brinda el poder ser parte de tan diversos proyectos.

 

“Lo maravilloso de mi trabajo es poder jugar en todas las canchas, creo que me he entrenado durante 40 años para poder hacerlo y ejecutarlo y marcar la diferencia, es mi obligación como actor”, asevera.

El delantero portugués Cristiano Ronaldo volvió a dar positivo por coronavirus y se perderá el duelo frente a Lionel Messi correspondiente a la jornada 2 de la UEFA Champions League.

 

De acuerdo con el diario Correio da Manha, el atacante de la Juventus dio positivo a la prueba de la UEFA y tendrá que estar aislado en su domicilio.

 

De esta manera, CR7 queda descartado para enfrentar al Barça del próximo 28 de octubre, ya que, las normas de la UEFA indican que los futbolistas deben dar negativo siete días antes de un enfrentamiento.

 

El astro lusitano dio positivo por Covid-19 por primera vez el pasado 13 de octubre, durante la concentración de la Selección de Portugal.

Se pospone la reapertura de la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, programada el día de hoy a las 19:00 horas, debido a la medidas sanitarias en la Ciudad de México que buscan frenar contagios por COVID-19. Así lo informó la Secretaría de Cultura federal.

 

"En apoyo al llamado hecho por el Gobierno de la Ciudad de México para establecer medidas adicionales que protejan la salud de las personas y frenar posibles contagios por COVID-19, la Gala de Concertistas de Bellas Artes 2020, programada para este viernes 23 de octubre a las 19:00 horas, sólo será transmitida vía streaming desde la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes", aseguró la dependencia a través de un comunicado.

 

También informó que el boleto de ingreso comprado por los asistentes, será reintegrado de manera física en las taquillas del recinto cultural ubicado sobre Avenida Hidalgo, en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

 

"(Se) agradece la comprensión de las personas, a quienes les será reintegrado el costo de sus boletos en las taquillas del Palacio de Bellas Artes y recibirán un pase adicional para asistir en alguna futura actividad", indicó la Secretaría

 

Lucina Jiménez López, directora del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), agradeció el trabajo de los cinco solistas que ofrecerían el concierto, así como al personal técnico y de apoyo por trabajar bajo los protocolos de sanidad recomendados por la Secretaría de Salud.

 

"De igual manera ha sido el compromiso de las autoridades del Centro Nacional de las Artes (Cenart) para contar con protocolos de cuidado a la salud  de las personas que asisten a las actividades y que, en colaboración con el INBAL, comparten el talento de compañías y agrupaciones artísticas para ser presentadas en este recinto cultural", precisó la dependencia.

 

La Gala de Concertistas de Bellas Artes 2020 también estaba prevista para el domingo 25 de octubre a las 13:30 horas en el  Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes, (Cenart), por lo que dicho concierto será programado hasta nuevo aviso.

La muerte de Boseman ha sido tan inesperada que el actor tenía varios proyectos pendientes por rodar y estrenar.

 

La muerte del actor Chadwick Boseman, a los 43 años un viernes noche en Los Ángeles por cáncer de colon, ha conmocionado a Hollywood y al mundo del entretenimiento de Estados Unidos, que pierde a su célebre “pantera negra” y a uno de los actores más queridos por la comunidad afroamericana. 

 

Un breve comunicado de sus representantes anunciaba la trágica noticia al tiempo que confirmaba una enfermedad sobre la que Boseman nunca habló públicamente, a pesar de que estuvo en tratamiento durante cuatro años y de que rodó muchas de sus películas, incluida Black Panther entre sesiones de quimioterapia y cirugías. 

 

 

 

“Chadwick perseveró a través de todo y les trajo muchas de las películas que tanto han llegado a amar. Desde Marshall hasta Da 5 Bloods, Ma Rainey's Black Bottom de August Wilson y varios más, todos fueron filmados durante y entre innumerables cirugías y quimioterapia”, informaron sus representantes sobre una enfermedad diagnosticada en 2016. 

 

Instantes posteriores, estudios cinematográficos, la Academia de Hollywood, directores y otras personalidades del espectáculo se mostraron sorprendidos y tristes por la mala noticia. 

 

Además, era un actor muy querido por la comunidad negra de Estados Unidos: Pues encarnó en la gran pantalla a figuras afroamericanas emblemáticas como el deportista Jackie Robinson en 42 (2013) y el músico James Brown Get on Up (2014), y participó en la última cinta de Spike Lee, Da 5 Bloods, estrenada este mismo verano. 

 

Pero su gran papel fue el de Black Panter en la franquicia Marvel, que dedicó una cinta a este superhéroe que recaudó en todo el mundo 1.347 millones de dólares y se convirtió en todo un emblema de orgullo para su base de seguidores. 

 

HOLLYWOOD RECIBE CON SORPRESA LA MUERTE DE BOSEMAN 

 

“Nuestros corazones están destrozados y nuestros pensamientos están con la familia de Chadwick Boseman. Su legado vivirá para siempre. Descanse en paz”, publicó Marvel en sus perfiles oficiales. 

 

Boseman interpretó a este superhéroe en varios filmes del popular universo cinematográfico de Marvel: Captain America: Civil War (2016), Black Panther (2018), Avengers: Infinity War (2018) y Avengers: Endgame (2019), esta última la cinta más taquillera de la historia. 

 

Pero además iba a continuar con el superhéroe en una nueva entrega cuyo rodaje estaba previsto para el año que viene. 

 

Por su parte, la Academia de Hollywood, que entrega anualmente los Óscar también dedicó unas palabras: “Una pérdida inconmensurable. Desde Black Panther hasta Da 5 Bloods, Chadwick Boseman aportó fuerza y luz a la pantalla en todo momento”. 

 

El cineasta Jordan Peele (Us) fue uno de los primeros en reaccionar al calificar la muerte de “golpe aplastante”. 

 

A Peele siguieron personalidades del cine como Viola Davis, Issa Rae, Octavia Spencer, Sterling K. Brown y Halle Berry, quién reflexionó: “Nunca sabes realmente por lo que están pasando las personas que te rodean, sé amable con ellas cada minuto que pasen juntos”. 

 

También Chris Pratt, compañero de Boseman en Marvel se unió a las condolencias al recordar que era “una gran persona” con “inmensurable talento”. 

 

Mark Ruffalo dijo que trabajar con Boseman fue “el mayor honor” al descubrir una persona “humana y sincera”. 

 

Gabrielle Union aseguró que el actor era “un auténtico caballero en la pantalla y en la vida”, mientras que Sharon Stone añadió que “es inimaginable” que se haya ido y envió dedicatorias a su familia. 

 

Asimismo, nombres de la música como Mariah Carey y el rapero G-Eazy se sumaron a las reacciones inmediatas. 

 

Tambien te puede interesar : Chadwick Boseman, actor de Black Panther, muere a los 43 años

 

UNA CARRERA LLENA DE PLANES FUTUROS 

 

La muerte de Boseman ha sido tan inesperada que el actor tenía varios proyectos pendientes por rodar y estrenar. 

 

Marvel confirmó que filmaría una secuela de Black Panther durante una convención de Disney a la que el actor no pudo acudir, de manera entonces sorprendente, el verano pasado. 

 

Asimismo, hace diez días acababa de firmar un contrato con Universal Content Productions para producir una serie, después de estrenar este mismo verano Da 5 Bloods para Netflix. 

 

Entre los proyectos finalizados que se lanzarán de manera póstuma figuran Ma Rainey's Black Bottom, junto a Viola Davis, y la serie animada de Marvel, What If...?.  

Como un monstruo con sed de sangre o como criaturas surgidas de las tinieblas, así es el racismo en Lovecraft Country, una audaz serie de HBO que, con Jordan Peele y J.J. Abrams como productores, combina las turbias fantasías de H.P. Lovecraft con la discriminación a los negros en Estados Unidos.

 

Con muchísimo talento en su reparto, de Jonathan Majors a Jurnee Smollett pasando por Courtney B. Vance o Michael Kenneth Williams, Lovecraft Country se estrena este domingo en HBO al mando de la showrunner (máxima responsable de una serie) Misha Green (Underground, 2016-2017).

 

Y con tanta figura afroamericana delante y detrás de las cámaras, la conversación sobre Lovecraft Country abarca el racismo de los años 50 en los que está ambientada la trama, como la violencia real y simbólica contra los negros que sigue existiendo en el país.

 

“Me encanta el género del terror. Así que, antes que nada, no me tienes que dar una razón para poner monstruos en algo porque me encanta hacerlo”, dijo Misha Green a Efe con una sonrisa.

 

La atrevida premisa de Lovecraft Country viaja hasta el Chicago de mediados del siglo XX, donde el joven Atticus (Majors) emprende un viaje junto a su tío George (Vance) y su amiga Leti (Smollett) para encontrar a su desaparecido padre (Williams). En su camino, estos tres afroamericanos enfrentarán monstruos muy humanos, en forma de supremacistas blancos; pero también seres infernales que emergen de las perversas historias de Lovecraft.

 

“En el género del terror tienes el miedo y luego la risa, que te da esa vía de escape. Y todos nuestros monstruos en la serie son como eso que te da alivio: te sientes liberado cuando aparecen los monstruos porque los otros monstruos, los humanos, son muy terribles”, reflexionó Green.

 

Por su parte, Jurnee Smollett, que se luce absolutamente en el papel de Leti, resaltó la paradoja de reciclar el legado de un escritor como Lovecraft: “Era un maestro del terror, pero también era racista”, recordó.

 

“Se puede defender que el racismo del sistema es más aterrador que los monstruos. Con los monstruos ya sabes lo que hay: los ves delante de ti, son jodidamente aterradores, y tienes que correr (risas). Pero el racismo del sistema te ataca de maneras insospechadas contra las que no tienes defensa y que te pillan con la guardia baja”, apuntó.

 

DE JIM CROW A BLACK LIVES MATTER. Aunque la serie retrata las racistas leyes de Jim Crow, que institucionalizaron la segregación racial en Estados Unidos a finales del siglo XIX, Lovecraft Country conecta de manera implícita con el debate actual sobre la discriminación a los negros y con el multitudinario y enérgico movimiento Black Lives Matter (Las vidas negras importan).

 

“Lovecraft Country se adhiere a la línea temporal de cómo hemos llegado hasta aquí”, indicó Michael Kenneth Williams, el inolvidable Omar Little de The Wire (2002-2008).

 

“Cuando conocemos a la familia de la serie, ya han sobrevivido a la masacre racista de Tulsa (en 1921) y se han mudado al sur de Chicago, que entonces es como una zona de guerra. Y hacen todo esto en los tiempos de Jim Crow. Así que tienen un trauma (...) pero es una migración real que una familia de hoy en día puede tener en su propia historia”, describió.

 

También Jonathan Majors, un actor en clarísimo ascenso tras The Last Black Man in San Francisco (2019) y Da 5 Bloods (2020), resaltó la conexión de la serie con las manifestaciones por la muerte a manos de la Policía de George Floyd: “En Lovecraft Country presentamos muchas vidas negras. Tienes todas estas personas negras diferentes, con puntos de vista diferentes. Tanto es así que entran en conflicto entre ellos”, afirmó.

 

“Son personajes ficticios, sí, pero son personajes interpretados por increíbles actores que les infunden vida. Así que poder entender cómo ama una vida negra, cómo se duele una vida negra, cómo sufre una vida negra, cómo ven lo que le gusta o lo que no les gusta (...) eso hace que la metáfora tenga cimientos. Creo que es algo bello con lo que contribuir (al debate actual): ‘Esto es un ejemplo de vida negra, esto es un ejemplo de amor negro’”, defendió.

Hacer un festival online puede resultar más caro que uno

presencial y eso lo está experimentando la versión 2020 de

Pixelatl, certamen especializado en la animación y cuya novena

edición será completamente virtual.

José Iñesta, director del evento a relizarse del 1 al 5 de

septiembre, detalla que en su caso ya se superó la barrera de 13

millones de pesos que tenía de presupuesto.

“Tiene que ver con el desarrollo tecnológico, con el ancho de

banda para poder usar el volumen de materiales y

visualizaciones y esto hace que no se deba tener un servidor

pequeño.

“Los costos de producción son más caros porque normalmente,

tienes que ver también la seguridad, y esas son cosas que no se

tienen por lo general”, señala

 

Agrega que normalmente para el festival se hace un póster, pero

ahora son seis, para animar a la audiencia.

“Es más difícil a pesar de la pandemia, pues hay tantas cosas

gratuitas que piensa va a ser eso y no”, detalla Iñesta.

Para la edición 2020 Pixelatl contará con una selección de 45

cortometrajes, de 17 países, cubriendo todas las técnicas de

animación como el Stop Motion.

Las producciones estarán disponibles por dos semanas, las 24

horas.

Para entrar a las funciones y conferencias de Pixelatl el costo es

de 800 pesos.

 

Un 25 de mayo, pero de 1933, se estrena la primera película catalogada en México como Cine de Terror; La Llorona (1933), del cubano Ramón Peón con guion de Carlos Noriega Hope y Fernando de Fuentes. 

 

Con una narrativa más de cine de suspenso que de terror, La Llorona se mueve entre una historia de leyenda costumbrista que cuentan con un par de secuencias que son aterradoras para la época (y actualmente también) en una cinematografía que apenas estaba hablando y afinando las cuestiones técnicas para lograr contar las historias; y siendo esta la primera de “terror” el mismo Peón se exigía llegar lo más lejos posible para el tiempo. 

 

Por lo mismo y en cuanto a las interpretaciones, sobra decir que las actuaciones vienen arrastrando los modos del cine mudo donde los actores gesticulan mucho dándole al cuerpo más intensidad que a la voz para reforzar las escenas de drama, espanto o resolución. Lo que resulta fascinante porque estamos frente a una película que sirvió de puente para las siguientes del género en las que había que resaltar las sensaciones de terror de forma más adecuada al nuevo recurso de la voz en un entorno diferente al teatro. 

 

Y es de resaltar las interpretaciones de Antonio R. Frausto y Carlos Orellana que se notaban no tan contenidas ni dada a la exageración debido a que ya habían tenido ambos una participación importante en Santa (1931) permitiéndoles una forma de llevar a sus personajes de manera más natural a la nueva forma de filmar en México. Aun así, y con todas las limitantes de la nueva forma de contar historias, esta es una bella referencia a la tradicional leyenda de la Llorona, a la traición amorosa y a la venganza como recurso definitivo contada en tres partes de tres épocas diferentes en 60 minutos de duración. 

 

Aunque yo soy de la opinión que el género del terror se inaugura con El fantasma del convento (1934) del veracruzano Fernando de Fuentes, La Llorona es un documento bien intencionado y honesto de un cine que dio el primer paso a una tradición de horror nacional que aterró a muchas generaciones después de ese 1933 y hasta la fecha con propuestas muy variadas y de miedo adecuado a los tiempos en que fueron exhibidas. 

 

Y dado que no hay forma de obtenerla en México porque los derechos de comercialización están en los EU, la plataforma streaming de Clarovideo la tiene disponible a sus suscriptores en una versión remasterizada en sonido y mejoría en imagen.

La crisis del arte está acompañada de la desmemoria a la labor que han realizado críticos como Raquel Tibol en México, lo que hace imposible trazar genealogías de pensamiento, referencias teóricas e incluso reflexiones amplias sobre los planteamientos ya elaborados, señaló Daniel Montero, investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM, durante la inauguración del encuentro académico Raquel Tibol: confrontaciones. Problemas de la crítica de arte a propósito del trabajo de Raquel Tibol, evento que enmarca los cinco años de su fallecimiento. 

 

“Raquel Tibol supo enseñarnos a leer y, en algunos casos, a escribir sobre obras de arte, exposiciones, eventos artísticos, así como sobre coyunturas históricas específicas en las que se discute la práctica artística y se emplazan las confrontaciones entre los distintos agentes”, expresó Amanda de la Garza, directora del Museo Universitario de Arte Contemporáneo, donde se realiza el encuentro.

 

El pensamiento de Raquel Tibol, añadió Daniel Montero, se transformó conjuntamente con las producciones artísticas locales y mundiales, así como de múltiples amistades y enemistades. “Es por eso que el pensamiento de Raquel Tibol nunca fue monolítico, aunque siempre tuvo un claro enfoque desde la izquierda política”.

La 23 edición del festival Eurojazz se llevará a cabo los fines de semana del 7 al 29 de marzo en las áreas verdes del Centro Nacional de las Artes.  Contará con la participación de 15 agrupaciones provenientes de Francia, Países Bajos, España, Luxemburgo, Italia, Alemania, Irlanda, Polonia, Hungría, Finlandia, Bélgica, Austria, Eslovaquia y México, quienes además de conciertos ofrecerán 11 clases magistrales.

 

“Este festival se originó con la convicción de que la música es una de las expresiones culturales más importantes y una forma de mostrar la diversidad cultural de la Unión Europea”, dijo André Rizzo, consejero político de la Delegación Política de la Unión Europea en México, en conferencia de prensa.

 

Mencionó que durante 22 años este festival ha visto evolucionar la participación de jóvenes músicos que crean ritmos originales sin olvidar los tradicionales. “En el 2019 asistieron alrededor de 95 mil personas, además de 44 mil que siguieron el concierto vía streaming. Esto es una muestra de que Eurojazz es un éxito conocido a nivel internacional. Es el festival de jazz europeo más grande de América Latina”, añadió.

 

Por su parte, María de los Ángeles Castro Gurría, directora general adjunta del Cenart, apuntó que las primeras ediciones de este festival, que inició en 1998, se llevaron a cabo en la Plaza de las Artes; sin embargo, fue tal la demanda y el interés que decidieron desplazarlo a las áreas verdes.

 

Observó que a partir de esto la participación de la Unión Europea fue mayor, “eso ayudó a que fuera madurando hasta llegar a lo que hoy es. La evolución del Eurojazz se debe al público mismo, a los que antes venían como jóvenes y ahora vienen como papás con sus hijos, y, por supuesto, a la participación de cada uno de los países que conforman el repertorio”, expresó.

 

Esta edición integra a Théo Ceccaldi Trio (Francia); Under The Surface (Países Bajos); María del Toro Quartet (España); Arthur Possing (Luxemburgo); Dúo Javier Girotto–Vince Abbracciante (Italia); Julia Hülsmann Quartett (Alemania); ­Scott Flanigan Trio (Irlanda); Kuba Wiecek Trio (Polonia); Zsolt Farkas, Adrián Szajkó, Toni Snétberger Trio (Hungría); Timo CLAss & Teppo Mákynen (Filandia); Ingrid Nomad (Bélgica); Sketchbook (Austria); Louise Phelan (Irlanda);  Lukáš ­Oravec  Quartet  (Eslovaquia); y, por primera vez, un dúo mexicano, llamado Selvanegra.

 

Al respecto, Gurría mencionó que buscan visibilizar el trabajo del Cenart en relación a la formación de músicos. “Creo que este festival ha sido muy importante para incidir en la creación de grupos, nivel musical y aspiraciones de los músicos de jazz en México”, opinó. 

 

Dirigidas a músicos profesionales y estudiantes de nivel medio y avanzado con experiencia en jazz, las clases magistrales se impartirán tanto en instalaciones del Cenart como en el plantel Fernández Leal de la Escuela Superior de Música.

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BANNERS DERECHA